La relation entre culture et créativité
Dans chaque type d'activité il y a un moment de créativité, chaque personne est un créateur, il crée toute sa vie. Chaque activité est créativité. D'autre part, la créativité est la réalisation de quelque chose de nouveau socialement significatif des idées, c'est-à-dire ils doivent être reconnus par la société comme nouveaux et importants.
Il y a la créativité, qui s'incarne dans les idées, puis dans les objets matériels. Et puis il y a le processus créatif lui-même. Il y a de la créativité, dont le résultat est un changement dans la personne elle-même.
En raison de la créativité, le rapport entre le nouveau et le déjà connu est de 10 à 90%, si le nouveau est supérieur à 10%, cela devient incompréhensible pour les contemporains. Dès lors, le génie n'est pas celui qui a inventé, mais celui qui a réussi à s'incarner quand la société s'y intéresse.
Chaque culture a la sienne dominant - en Italie la peinture, en Russie la littérature, en Allemagne les philosophes. Tout ce qui a de la valeur dans le passé dominant devient le fondement du développement d'une nouvelle culture. Chaque culture trouve sa direction prioritaire.
Création - activité cognitive (cognitive) qui mène à une nouvelle ( socialement significatif) ou vision inhabituelle d'un problème ou d'une situation.
À la créativité artistique il est presque impossible d'obtenir le même résultat de deux auteurs, et en science c'est très possible.
Tout processus créatif implique un sujet - un créateur, une personnalité humaine, un porteur la créativité. Dans la créativité, la personnalité se manifeste comme quelque chose de libre, d'indivisible.
Le principal ennemi de la créativité est la peur, la peur des nouvelles réalisations, la peur de l'échec. Nous incluons également la paresse, la passivité, le manque de ressources, etc.
Motifs de créativité : réalisation de soi, satisfaction des désirs réels, externes, internes.
Culture humanitaire et technique
La culture est un ensemble de significations qui se manifestent sous la forme d'idées, de valeurs et de normes. Culture technique- ce ne sont que des idées et des normes, c'est de nature service, ça régule les processus, la vie de la société. Et l'humanitaire fixe des valeurs et des idéaux. Leur relation est la fin et les moyens, mais souvent ces concepts sont décalés. Parfois, vous ne pouvez survivre qu'au détriment de la culture technocratique.
Au début du développement de la culture, l'humanitaire (créativité) a servi le technique - ils ont inventé des outils, etc. Puis la créativité a pris le dessus - les outils ont commencé à décorer. Aujourd'hui, le désir de créer prend également le dessus. Nous avons besoin d'une voiture non seulement pour conduire, mais aussi belle. Lorsque la culture technocratique prend le devant de la scène, de nombreux problèmes surgissent (de l'environnemental à l'extrémisme). Quand l'utilité, le confort priment, ce n'est pas très bon pour la culture dans son ensemble. Il est impossible de dire sans équivoque que K. humanitaire fonctionne sans normes, et technocratique sans valeurs. Il a ses propres valeurs - efficacité, économie, etc.
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- La conscience publique dans les années 90 : les principales tendances de développement
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- Développement culturel
Développement culturel
La culture a joué un grand rôle dans la préparation spirituelle des changements appelés perestroïka. Les personnalités culturelles avec leur créativité ont préparé la conscience publique au besoin de changement (le film "Repentance" de T. Abuladze, le roman "Children of the Arbat" d'A. Rybakov, etc.).
Le pays tout entier vivait dans l'attente de nouveaux numéros de journaux et de magazines, d'émissions de télévision dans lesquelles, comme un vent frais de changement, une nouvelle évaluation était donnée aux personnages historiques, aux processus de la société et à l'histoire elle-même.
Les représentants de la culture étaient activement impliqués dans une véritable activité politique: ils étaient élus députés, chefs de villes et devenaient des chefs de révolutions nationales-bourgeoises dans leurs républiques. Une position publique aussi active a conduit l'intelligentsia à une scission politique.
Après l'effondrement de l'URSS, la scission politique entre les travailleurs de la culture et de l'art s'est poursuivie. Certains étaient guidés par les valeurs occidentales, les déclarant universelles, d'autres adhéraient aux valeurs nationales traditionnelles. Sur cette base, presque tous les liens et groupes créatifs se séparent.
La perestroïka a aboli les interdictions sur de nombreux types et genres d'art, renvoyé sur les écrans les films mis sur les tablettes et les œuvres interdites de publication. Le retour de la culture brillante de l'âge d'argent appartient également à la même période.
La culture du tournant des XIXe et XXe siècles nous a révélé tout un «continent poétique» des meilleurs paroliers (I. Annensky, N. Gumilyov, V. Khodasevich, etc.), des penseurs profonds (N. Berdyaev, V. Solovyov, S. Boulgakov, etc.) , des prosateurs sérieux (A. Bely, D. Merezhkovsky, F. Sologub et autres), des compositeurs (N. Stravinsky, S. Rachmaninov et autres), des artistes (K. Somov, A. Benois, P. Filonov, V. Kandinsky et autres), des interprètes talentueux (F. Chaliapine, M. Fokin, A. Pavlova et autres).
Un tel flux de littérature "interdite" a eu, en plus d'un moment positif et d'un moment négatif : les jeunes écrivains, poètes, scénaristes ont été privés de la possibilité de publier dans les publications d'État. La crise de l'architecture se poursuit également, associée à une baisse des coûts de construction.
Le développement de la base matérielle de la culture s'est fortement ralenti, ce qui a affecté non seulement l'absence de nouveaux films et livres sur un marché librement formé, mais aussi le fait que, parallèlement aux meilleurs exemples étrangers de la culture, une vague de produits d'origine douteuse qualité et valeur versées dans le pays.
Sans un soutien clair de l'État (ceci est également démontré par l'expérience des pays occidentaux développés), dans les conditions des relations marchandes, la culture a peu de chances de survivre. En elles-mêmes, les relations de marché ne peuvent servir de moyen universel de préservation et d'accroissement du potentiel spirituel et socioculturel de la société.
La crise profonde dans laquelle se trouvent notre société et notre culture est le résultat d'une longue négligence des lois objectives du développement social pendant la période soviétique. La construction d'une nouvelle société, la création d'un homme nouveau dans l'État soviétique s'est avérée impossible, car pendant toutes les années du pouvoir soviétique, les gens ont été séparés de la vraie culture, de la vraie liberté.
Une personne était considérée comme une fonction de l'économie, comme un moyen, et cela aussi déshumanise une personne, comme une civilisation technogène. "Le monde traverse le danger de déshumanisation de la vie humaine, de déshumanisation de l'homme lui-même... Seul le renforcement spirituel de l'homme peut résister à un tel danger."
Les chercheurs de divers concepts culturels parlent d'une crise civilisationnelle, d'un changement dans les paradigmes de la culture. Les images de la culture postmoderne, la culture de la fin du millénaire (Fin Millennium) ont maintes fois dépassé la décadence naïve de la culture moderniste de la fin du siècle (Fin de Sitcle).
En d'autres termes, l'essence des changements en cours (par rapport au changement de paradigme culturologique) est que ce n'est pas la culture qui est en crise, mais la personne, le créateur, et la crise de la culture n'est qu'une manifestation de son crise.
Ainsi, l'attention portée à une personne, au développement de sa spiritualité, de son esprit, c'est surmonter la crise. Les livres d'Ethique Vivante ont attiré l'attention sur la nécessité d'une approche consciente des changements à venir dans l'évolution culturelle et historique de l'homme et ont mis en évidence les problèmes éthiques comme la condition la plus importante pour le développement de l'homme et de la société.
Ces pensées ont quelque chose en commun avec la compréhension moderne de la vie humaine et de la société. Ainsi, P. Kostenbaum, spécialiste de l'éducation des cadres dirigeants de l'Amérique, estime qu'"une société bâtie non sur l'éthique, non sur des cœurs et des esprits mûrs, ne vivra pas longtemps".
N. Roerich a soutenu que la culture est le culte de la lumière, du feu, la vénération de l'esprit, le service le plus élevé à l'amélioration de l'homme. L'affirmation de la vraie Culture dans l'esprit humain est une condition nécessaire pour surmonter la crise.
Révolution et culture. La révolution de 1917 a divisé l'intelligentsia artistique de la Russie en deux parties. L'une d'elles, bien que n'acceptant pas tout au Conseil des députés (comme beaucoup appelaient alors le pays des soviets), croyait au renouveau de la Russie et consacrait ses forces au service de la cause révolutionnaire ; l'autre méprisait négativement le gouvernement bolchevique et soutenait ses opposants sous diverses formes.
En octobre 1917, V. V. Mayakovsky, dans son autobiographie littéraire originale « Moi-même », décrivait sa position comme suit : « Accepter ou ne pas accepter ? Il n'y avait pas une telle question pour moi (et pour d'autres Moscovites-futuristes). Ma révolution. Pendant la guerre civile, le poète a travaillé dans les soi-disant "Windows of Satire ROSTA" (ROSTA - Agence télégraphique russe), où des affiches satiriques, des dessins animés, des gravures populaires avec de courts textes poétiques ont été créés. Ils ont ridiculisé les ennemis du gouvernement soviétique - généraux, propriétaires terriens, capitalistes, interventionnistes étrangers, ont parlé des tâches de construction économique. Les futurs écrivains soviétiques ont servi dans l'Armée rouge : par exemple, D. A. Furmanov était le commissaire de la division commandée par Chapaev ; I. E. Babel était un combattant de la célèbre 1ère armée de cavalerie ; A.P. Gaidar à l'âge de seize ans commandait un détachement de jeunes en Khakassie.
Les futurs écrivains émigrants ont participé au mouvement blanc: R. B. Gul a combattu dans l'armée des volontaires, qui a fait la célèbre «campagne de glace» du Don au Kouban, G. I. Gazdanov, après avoir obtenu son diplôme de la 7e année du gymnase, s'est porté volontaire pour l'armée Wrangel . I. A. Bunin a appelé ses journaux de la période de la guerre civile "Jours maudits". M. I. Tsvetaeva a écrit un cycle de poèmes sous le titre significatif "Swan Camp" - une lamentation remplie d'images religieuses pour la Russie blanche. Le thème du caractère pernicieux de la guerre civile pour la nature humaine a été imprégné par les œuvres des écrivains émigrés M. A. Aldanov ("Suicide"), M. A. Osorgin ("Témoin de l'histoire"), I. S. Shmelev (" soleil des morts»).
Par la suite, la culture russe s'est développée selon deux courants : dans le pays soviétique et dans l'émigration. Les écrivains et poètes I. A. Bunin, lauréats du prix Nobel de littérature en 1933, D. S. Merezhkovsky et Z. N. Gippius, les principaux auteurs du livre de programme anti-soviétique «Le royaume de l'Antéchrist», ont travaillé dans un pays étranger. Certains écrivains, comme VV Nabokov, sont entrés dans la littérature déjà en exil. C'est à l'étranger que les artistes V. Kandinsky, O. Zadkine, M. Chagall ont acquis une renommée mondiale.
Si les œuvres des écrivains émigrés (M. Aldanov, I. Shmelev et d'autres) étaient imprégnées du thème de la perversité de la révolution et de la guerre civile, les œuvres des écrivains soviétiques respiraient le pathétique révolutionnaire. 
Du pluralisme artistique au réalisme socialiste. Au cours de la première décennie post-révolutionnaire, le développement de la culture en Russie a été caractérisé par l'expérimentation, la recherche de nouvelles formes et moyens artistiques - un esprit artistique révolutionnaire. La culture de cette décennie, d'une part, était enracinée dans " âge d'argent», et d'autre part, il a adopté à partir de la révolution une tendance à renoncer aux canons esthétiques classiques, à la nouveauté thématique et intrigue. De nombreux écrivains considéraient qu'il était de leur devoir de servir les idéaux de la révolution. Cela s'est manifesté dans la politisation de l'œuvre poétique de Maïakovski, dans la création du mouvement "Octobre théâtral" par Meyerhold, dans la formation de l'Association des artistes de la Russie révolutionnaire (AHRR), etc.
Les poètes S. A. Yesenin, A. A. Akhmatova, O. E. Mandelstam, B. L. Pasternak, qui ont commencé leur chemin poétique au début du siècle, ont continué à créer. Un nouveau mot dans la littérature a été prononcé par la génération qui y est déjà venue à l'époque soviétique - M. A. Boulgakov, M. A. Sholokhov, V. P. Kataev, A. A. Fadeev, M. M. Zoshchenko.
Si dans les années 20 la littérature et les beaux-arts étaient exceptionnellement diversifiés, puis dans les années 30, sous les conditions du diktat idéologique, le soi-disant réalisme socialiste s'est imposé aux écrivains et aux artistes. Selon ses canons, la réflexion de la réalité dans les œuvres littéraires et artistiques devait être subordonnée aux tâches de l'éducation socialiste. Peu à peu, au lieu du réalisme critique et de diverses tendances d'avant-garde dans la culture artistique, le pseudo-réalisme s'est établi, c'est-à-dire image idéalisée de la réalité soviétique et Homme soviétique.
La culture artistique était sous le contrôle du Parti communiste. Au début des années 30. De nombreuses associations de travailleurs de l'art ont été liquidées. Au lieu de cela, des syndicats unis d'écrivains, d'artistes, de cinéastes, d'artistes et de compositeurs soviétiques ont été créés. Bien qu'il s'agisse formellement d'organisations publiques indépendantes, l'intelligentsia créative devait être totalement subordonnée aux autorités. En même temps, les syndicats, disposant de fonds et de maisons de créativité, créent certaines conditions pour le travail de l'intelligentsia artistique. L'État entretenait des théâtres, finançait le tournage de films, fournissait des studios aux artistes, etc. La seule chose exigée des artistes était de servir fidèlement le parti communiste. Les écrivains, artistes et musiciens qui déviaient des canons imposés par les autorités devaient être « élaborés » et réprimés (O. E. Mandelstam, V. E. Meyerhold, B. A. Pilnyak et bien d'autres sont morts dans les cachots staliniens).
Une place importante dans la culture artistique soviétique était occupée par des thèmes historiques et révolutionnaires. La tragédie de la révolution et de la guerre civile se reflétait dans les livres de M. A. Sholokhov (« Calme Don”), A. N. Tolstoï (“Marcher à travers les tourments”), I. E. Babel (collection d'histoires “Konarmiya”), peintures de M. B. Grekov (“Tachanka”), A. A. Deineki (“ Défense de Petrograd). En cinématographie, les films consacrés à la révolution et guerre civile. Les plus célèbres d'entre eux étaient "Chapaev", une trilogie cinématographique sur Maxim, "Nous sommes de Kronstadt". Le thème glorifié n'a pas quitté la capitale et
des scènes de théâtre de province. Un symbole caractéristique des beaux-arts soviétiques était la sculpture de V. I. Mukhina "Ouvrière et femme de ferme collective", qui ornait le pavillon soviétique à l'Exposition universelle de Paris en 1937. Des artistes célèbres et peu connus ont créé des portraits de groupe pompeux avec Lénine et Staline. Parallèlement, un succès remarquable dans le portrait et peinture de paysage atteint M. V. Nesterov, P. D. Korin, P. P. Konchalovsky et d'autres artistes talentueux.
Positions éminentes dans l'art mondial des années 20-30. occupée par le cinéma soviétique. Il a présenté des réalisateurs tels que SM. Eisenstein ("Le cuirassé Potemkine", "Alexander Nevsky", etc.), le fondateur de la comédie musicale excentrique soviétique G. V. Aleksandrov ("Merry Fellows", "Volga-Volga", etc.), le fondateur du cinéma ukrainien A P. Dovzhenko (Arsenal, Shchors, etc.). Les stars du cinéma sonore soviétique brillaient dans le ciel artistique: L. P. Orlova, V. V. Serova, N. K. Cherkasov, B. P. Chirkov et d'autres.
La Grande Guerre patriotique et l'intelligentsia artistique. Pas même une semaine ne s'était écoulée depuis le jour de l'attaque nazie contre l'URSS, lorsque "Windows TASS" (TASS - Agence télégraphique de l'Union soviétique) est apparu dans le centre de Moscou, poursuivant les traditions de la propagande et des affiches et caricatures politiques "Windows ROSTA". Pendant la guerre, 130 artistes et 80 poètes ont participé aux travaux d'Okon TASS, qui a publié plus d'un million d'affiches et de dessins animés. Aux premiers jours de la guerre, les fameuses affiches "The Motherland Calls!" (I. M. Toidze), "Notre cause est juste, la victoire sera à nous" (V. A. Serov), "Guerrier de l'Armée rouge, sauve!" (V. B. Koretsky). A Leningrad, l'association d'artistes "Fighting Pencil" a lancé la production d'affiches-dépliants en petit format.
Pendant les années du Grand Guerre patriotique de nombreux écrivains se sont tournés vers le genre du journalisme. Les journaux ont publié des essais, des articles et des poèmes militaires. Le publiciste le plus célèbre était I. G. Ehrenburg. Poème
A. T. Tvardovsky "Vasily Terkin", les poèmes de première ligne de K. M. Simonov ("Attendez-moi") incarnaient les sentiments du peuple. Un reflet réaliste du sort des gens se reflétait dans la prose militaire de A. A. Bek ("Autoroute de Volokolamsk"), V. S. Grossman ("Le peuple est immortel"),
V. A. Nekrasov («Dans les tranchées de Stalingrad»), K.M. Simonov («Jour et nuit»). Des performances sur la vie de première ligne sont apparues dans le répertoire des théâtres. Il est significatif que les pièces de A. E. Korneichuk "The Front" et K. M. Simonov "Russian People" aient été publiées dans les journaux avec des rapports du Bureau des formulaires soviétiques sur la situation sur les fronts.
La partie la plus importante vie artistique les années de guerre sont des concerts de première ligne et des rencontres d'artistes avec les blessés dans les hôpitaux. Les Russes étaient très populaires chansons folkloriques interprété par L. A. Ruslanova, pop - interprété par K. I. Shulzhenko et L. O. Utesov. Les chansons lyriques de K. Ya. Listov ("Dans la pirogue"), N. V. Bogoslovsky ("Dark Night"), M. I. Blanter ("Dans la forêt près du front"), qui sont apparus pendant les années de guerre, ont été largement utilisés à l'avant et à l'arrière. , V. P. Solovyov-Sedogo ("Nightingales").
Des chroniques de guerre sont diffusées dans tous les cinémas. Le tournage a été réalisé par des opérateurs dans des conditions de première ligne, avec un grand danger de mort. Le premier long métrage documentaire était consacré à la défaite des troupes nazies près de Moscou. Ensuite, les films "Leningrad on Fire", "Stalingrad", "People's Avengers" et plusieurs autres ont été créés. Certains de ces films ont été projetés après la guerre lors des procès de Nuremberg comme preuves documentaires des crimes nazis. 
Culture artistique de la seconde moitié du XXe siècle. Après la Grande Guerre patriotique, de nouveaux noms sont apparus dans l'art soviétique, et à partir du tournant des années 50 et 60. de nouvelles orientations thématiques ont commencé à se former. Dans le cadre de l'exposition du culte de la personnalité de Staline, le dépassement de l'art franchement "vernissant", qui était particulièrement caractéristique des années 30 et 40, a eu lieu.
Depuis le milieu des années 50. La littérature et l'art ont commencé à jouer le même rôle éducatif dans la société soviétique qu'ils jouaient en Russie au XIXe et au début du XXe siècle. L'extrême tension idéologique (et censurée) de la pensée sociopolitique a contribué au fait que la discussion de nombreux problèmes de société a été transférée à la sphère de la littérature et critique littéraire. Le nouveau développement le plus significatif a été la réflexion critique sur les réalités de l'époque de Staline. Les publications au début des années 60 font sensation. œuvres d'A. I. Soljenitsyne ("Un jour dans la vie d'Ivan Denisovitch", histoires) et A. T. Tvardovsky ("Terkin dans l'Autre Monde"). Avec Soljenitsyne, le thème du camp est entré dans la littérature et le poème de Tvardovsky (ainsi que les poèmes du jeune E. A. Yevtushenko) a marqué le début d'une attaque artistique contre le culte de la personnalité de Staline. Au milieu des années 60. Au XVIIIe siècle, le roman de M. A. Boulgakov Le Maître et Marguerite, écrit avant la guerre, est publié pour la première fois, avec son symbolisme religieux et mystique, qui n'est pas caractéristique de la littérature soviétique. Cependant, l'intelligentsia artistique subissait encore les diktats idéologiques du parti. Ainsi, B. Pasternak, qui a reçu prix Nobel pour le roman anti-soviétique déclaré "Docteur Jivago", a été contraint de l'abandonner.
La poésie a toujours joué un rôle important dans la vie culturelle de la société soviétique. Dans les années 60. poètes d'une nouvelle génération - B. A. Akhmadoulina,
A. A. Voznesensky, E. A. Yevtushenko, R. I. Rozhdestvensky - avec leur citoyenneté et leur orientation journalistique, les paroles sont devenues des idoles du public lecteur. Les soirées poétiques au Musée polytechnique de Moscou, dans les palais des sports et dans les établissements d'enseignement supérieur ont remporté un énorme succès.
Dans les années 60-70. la prose militaire d'un "nouveau modèle" est apparue - des livres de V. P. Astafiev ("Starfall"), G. Ya. Baklanov ("Les morts n'ont pas honte"), Yu. V. Bondarev ("Hot Snow"), B. L. Vasilyeva ( "Les aubes ici sont calmes ..."), K.D. Vorobyeva ("Tué près de Moscou"), V.L. Kondratiev ("Sashka"). Ils reproduisent l'expérience autobiographique d'écrivains qui sont passés par le creuset de la Grande Guerre patriotique, traduisent l'impitoyable cruauté de la guerre qu'ils ressentent, analysent ses leçons de morale. Dans le même temps, la direction de la soi-disant prose villageoise s'est formée dans la littérature soviétique. Il était représenté par les œuvres de F. A. Abramov (la trilogie "Pryasliny"), V. I. Belov ("Histoires de charpentier"), B. A. Mozhaev ("Hommes et femmes"), V. G. Rasputin ("Vivre et se souvenir", "Adieu à Matera" ), V. M. Shukshin (histoires "Villageois"). Les livres de ces écrivains reflétaient l'ascèse ouvrière dans les difficiles années de guerre et d'après-guerre, les processus de paysanisation, la perte des valeurs spirituelles et morales traditionnelles, l'adaptation complexe du rural d'hier à la vie urbaine.
Contrairement à la littérature des années 1930 et 1940, les meilleures œuvres en prose de la seconde moitié du siècle se distinguaient par un schéma psychologique complexe, le désir des écrivains de pénétrer dans les profondeurs les plus profondes l'âme humaine. Telles sont, par exemple, les histoires « moscovites » de Yu. V. Trifonov (« Exchange », « Another Life », « House on the Embankment »).
Depuis les années 60. des performances basées sur des pièces pleines d'action de dramaturges soviétiques (A. M. Volodin, A. I. Gelman, M. F. Shatrov) sont apparues sur les scènes de théâtre et le répertoire classique dans l'interprétation de réalisateurs innovants a acquis un son réel. Telles étaient, par exemple, les productions des nouveaux théâtres Sovremennik (dirigés par O. N. Efremov, puis G. B. Volchek), le Taganka Drama and Comedy Theatre (Yu. P. Lyubimov).
Les principales tendances du développement de la culture post-soviétique. L'une des caractéristiques du développement de la culture russe au tournant des XX-XXI siècles. est sa désidéologisation et le pluralisme de la recherche créative. Dans l'élite fiction et beaux-Arts Dans la Russie post-soviétique, les œuvres de la direction avant-gardiste sont apparues au premier plan. Ceux-ci incluent, par exemple, des livres de V. Pelevin, T. Tolstoy, L. Ulitskaya et d'autres auteurs. L'avant-gardisme est également la tendance prédominante en peinture. Dans le théâtre domestique moderne, les productions du réalisateur R. G. Viktyuk sont imprégnées du symbolisme du principe irrationnel chez une personne.
Depuis la période de la "perestroïka" a commencé à surmonter l'isolement de la culture russe de la vie culturelle des pays étrangers. Résidents de l'URSS, et plus tard Fédération Russe ont pu lire des livres, voir des films qui leur étaient auparavant inaccessibles pour des raisons idéologiques. De nombreux écrivains qui avaient été privés de citoyenneté par les autorités soviétiques sont retournés dans leur patrie. Un espace unique de la culture russe a émergé, réunissant écrivains, artistes, musiciens, réalisateurs et acteurs, quel que soit leur lieu de résidence. Ainsi, par exemple, les sculpteurs E. I. Neizvestny (un monument funéraire à N. S. Khrouchtchev, un monument aux victimes des répressions staliniennes à Vorkouta) et M. M. Shemyakin (un monument à Pierre Ier à Saint-Pétersbourg) vivent aux États-Unis. Et les sculptures de V. A. Sidur, qui vivait à Moscou («À ceux qui sont morts de la violence», etc.), ont été installées dans les villes d'Allemagne. Les réalisateurs N. S. Mikhalkov et A. S. Konchalovsky réalisent des films tant au pays qu'à l'étranger.
L'effondrement radical du système politique et économique a conduit non seulement à libérer la culture des carcans idéologiques, mais a également rendu nécessaire une adaptation à la réduction, voire parfois à la suppression totale des financements de l'État. La commercialisation de la littérature et de l'art a conduit à la prolifération d'œuvres qui n'ont pas une grande valeur artistique. D'autre part, même dans les nouvelles conditions, les meilleurs représentants de la culture se tournent vers l'analyse des problèmes sociaux les plus aigus, à la recherche de voies d'amélioration spirituelle de l'homme. Ces œuvres incluent, en particulier, les œuvres des réalisateurs V. Yu. Abdrashitov («Dancer's Time»), N. S. Mikhalkov («Burnt by the Sun», «The Barber of Siberia»), V. P. Todorovsky («Country of the Deaf ”) , S. A. Solovieva ("Âge tendre"). 
Art musical. Les représentants de la Russie ont apporté une contribution majeure à la culture musicale mondiale du XXe siècle. Les plus grands compositeurs dont les œuvres ont été interprétées à plusieurs reprises dans salles de concert et des opéras dans de nombreux pays du monde, étaient S. S. Prokofiev (œuvres symphoniques, l'opéra "Guerre et Paix", les ballets "Cendrillon", "Roméo et Juliette"), D. D. Chostakovitch (6e symphonie, opéra "Lady Macbeth District de Mzensk”), A. G. Schnittke (3e symphonie, Requiem). Les représentations d'opéra et de ballet du Théâtre Bolchoï de Moscou étaient mondialement connues. Sur sa scène, il y avait à la fois des œuvres du répertoire classique et des œuvres de compositeurs de la période soviétique - T. N. Khrennikov, R. K. Shchedrin, A. Ya. Eshpay.
Toute une constellation de musiciens talentueux et de chanteurs d'opéra qui ont acquis une renommée mondiale ont travaillé dans le pays (pianistes E. G. Gilels, S. T. Richter, violoniste D. F. Oistrakh, chanteurs S. Ya. Lemeshev, E. V. Obraztsova) . Certains d'entre eux n'ont pas pu accepter la dure pression idéologique et ont été contraints de quitter leur patrie (le chanteur G. P. Vishnevskaya, le violoncelliste M. L. Rostropovich).
Les musiciens qui jouaient de la musique jazz subissaient également une pression constante - ils étaient critiqués comme adeptes de la culture "bourgeoise". Néanmoins, les orchestres de jazz dirigés par le chanteur L. O. Utyosov, le chef d'orchestre O. L. Lundstrem et le brillant improvisateur-trompettiste E. I. Rozner ont acquis une immense popularité en Union soviétique.
Le genre musical le plus répandu était la chanson pop. Les œuvres des auteurs les plus talentueux, qui ont réussi à surmonter l'opportunisme momentané dans leur travail, sont finalement devenues partie intégrante de la culture du peuple. Il s'agit notamment de « Katyusha » de M. I. Blanter, « The Volga Flows » de M. G. Fradkin, « Hope » de A. N. Pakhmutova et bien d'autres chansons.
Dans les années 60. Dans la vie culturelle de la société soviétique, la chanson de l'auteur est entrée, dans laquelle les débuts professionnels et amateurs se sont fermés. Le travail des bardes, qui se produisaient, en règle générale, dans un cadre informel, n'était pas contrôlé par les institutions culturelles. Dans les chansons interprétées à la guitare par B. Sh. Okudzhava, A. A. Galich, Yu. Le travail créatif de V. S. Vysotsky, qui combinait les talents d'un poète, d'un acteur et d'un chanteur, était rempli d'un puissant pathos civique et d'une grande variété de genres.
Il a reçu un contenu social encore plus profond dans les années 70-80. Musique rock soviétique. Ses représentants - A. V. Makarevich (groupe "Time Machine"), K. N. Nikolsky, A. D. Romanov ("Resurrection"), B. B. Grebenshchikov ("Aquarium") - ont réussi à passer de l'imitation de musiciens occidentaux à des œuvres indépendantes qui, avec les chansons de bardes, étaient le folklore de l'ère urbaine. 
Architecture. Dans les années 20-30. l'esprit des architectes était occupé par l'idée de la transformation socialiste des villes. Ainsi, le premier plan de ce type - "Nouveau Moscou" - a été élaboré au début des années 1920. A.V. Shchusev et V.V. Zholtovsky. Des projets ont été créés pour de nouveaux types de logements - maisons communales avec services de consommation socialisés, bâtiments publiques- clubs ouvriers et palais de la culture. dominant style architectural il y avait le constructivisme, qui prévoyait l'opportunité fonctionnelle de la planification, une combinaison de formes et de détails divers et clairement définis géométriquement, la simplicité extérieure et l'absence de décorations. Les recherches créatives de l'architecte soviétique K. S. Melnikov (club nommé d'après I. V. Rusakov, sa propre maison à Moscou) ont acquis une renommée mondiale.
Au milieu des années 30. Dans les années 1990, le Plan général de reconstruction de Moscou a été adopté (réaménagement de la partie centrale de la ville, pose d'autoroutes, construction du métro), des plans similaires ont été élaborés pour d'autres grandes villes. Dans le même temps, la liberté de créativité des architectes était limitée par les instructions du «chef des peuples». La construction de structures pompeuses a commencé, reflétant, à son avis, l'idée de la puissance de l'URSS. L'aspect des bâtiments a changé - le constructivisme a été progressivement remplacé par le néoclassicisme "stalinien". Des éléments d'architecture classique sont clairement visibles, par exemple, dans l'apparition du Théâtre central de l'Armée rouge, stations de métro de Moscou.
Une construction grandiose s'est déroulée dans les années d'après-guerre. De nouvelles zones résidentielles ont surgi dans les vieilles villes. L'image de Moscou a été mise à jour en raison des "gratte-ciel" construits dans la zone du Garden Ring, ainsi que du nouveau bâtiment de l'Université sur les collines de Lénine (Sparrow). Depuis le milieu des années 50. La direction principale de la construction résidentielle est devenue la construction de logements en panneaux de masse. Les nouveaux bâtiments urbains, s'étant débarrassés des "excès architecturaux", ont acquis un aspect monotone et terne. Dans les années 60-70. de nouveaux bâtiments administratifs sont apparus dans les centres républicains et régionaux, parmi lesquels les comités régionaux du PCUS se sont démarqués par leur grandeur. Sur le territoire du Kremlin de Moscou, le Palais des Congrès a été construit, dont les motifs architecturaux sonnent dissonants dans le contexte du développement historique.
De belles opportunités pour travail créatif architectes ont ouvert en la dernière décennie XXe siècle. Le capital privé, avec l'État, a commencé à agir en tant que client pendant la construction. Développant des projets de bâtiments d'hôtels, de banques, de centres commerciaux, d'installations sportives, les architectes russes interprètent de manière créative l'héritage du classicisme, de la modernité et du constructivisme. La construction de manoirs et de chalets est de nouveau entrée en vigueur, dont beaucoup sont construits selon des projets individuels.
Deux tendances opposées ont été observées dans la culture soviétique: l'art politisé, vernissant la réalité, et l'art, formellement socialiste, mais, par essence, reflétant de manière critique la réalité (en raison de la position consciente de l'artiste ou du talent, surmontant les obstacles de la censure). Exactement dernière direction(de même que les meilleures oeuvres créé en exil) a donné des échantillons qui ont été inclus dans le fonds d'or de la culture mondiale.
V.O. Volobuev "La Russie et le monde".
La culture contient à la fois des côtés stables, conservateurs et dynamiques et innovants. Le côté durable de la culture est tradition culturelle grâce à quoi il y a accumulation et transmission de génération en génération d'éléments du patrimoine culturel : idées, valeurs, normes morales, coutumes, rituels, savoir-faire. Le système des traditions reflète l'intégrité et la stabilité de l'organisme social. L'histoire de la culture semblerait absurde si chaque génération balayait complètement les acquis culturels de la précédente.
Aucune culture ne peut exister sans traditions. De plus, la tradition culturelle est une condition indispensable non seulement pour l'existence, mais aussi pour le développement de la culture, même dans les conditions de la création d'une culture qualitativement nouvelle. Pour révéler le mécanisme du développement culturel, la loi dialectique de négation de la négation revêt une importance particulière, qui, non limitée seulement à affirmer l'invincibilité du nouveau, révèle la nature cyclique du développement, caractérise l'unité de progression et de continuité inhérente à toute type de développement, y compris le développement de la culture.
La continuité, en tant que modèle général dans le développement de la culture, se manifeste sous diverses formes spécifiques, telles que : 1) la connexion génétique de l'ancienne culture avec la nouvelle ; 2) l'émergence d'éléments individuels d'une nouvelle culture dans l'ancienne encore existante ; 3) préservation dans la nouvelle culture des éléments individuels de l'ancienne ; 4) revenir au stade initial de développement. Dans ce dernier cas, la continuité implique non seulement la préservation de certaines caractéristiques de l'ancienne culture directement niée dans le cadre de la nouvelle, mais la restauration de certains éléments de l'ancienne, qui existaient autrefois, puis ont été niés et ont cessé d'exister, mais à nouveau relancé par le développement. Tel est, par exemple, le renouveau de la culture antique à la Renaissance.
Le déni de continuité dans le développement de la culture se transforme en une attitude nihiliste envers les plus grandes valeurs culturelles créées dans le passé. Dans le cadre de telles idées, le développement de la culture n'est possible qu'avec la destruction complète et catégorique de l'ancienne culture, dont un exemple typique peut servir de théories vulgaires des prolétaires. Proletkult (une association d'organisations culturelles et éducatives prolétariennes) est née en 1917 et a promu une attitude nihiliste et anarchiste envers le passé, envers sa culture, envers les plus grandes valeurs spirituelles accumulées dans l'histoire précédente. Ayant adopté le mot d'ordre : « Le prolétariat n'est pas l'héritier du passé, mais le créateur de l'avenir », les prolétaires croyaient sérieusement que le nouveau culture prolétarienne peut et doit être construit en dehors de toute tradition. Cette approche a trouvé écho dans les appels du futurisme apparus plus tôt encore, dont les représentants ont jugé nécessaire de détruire toute culture antérieure :
Nous sommes à la merci des passionnés de houblon rebelles ;
Qu'ils nous crient : « Vous êtes les bourreaux de la beauté.
Au nom de notre demain, brûlons Raphaël.
Détruisons les musées, piétinons les fleurs sur l'art.
Il a été proposé de mener à bien une défaite complète de la "science bourgeoise", de créer de nouveaux programmes en mathématiques, physique, chimie, biologie, dans lesquels tout serait inversé. Les slogans de la Révolution culturelle en Chine font écho aux appels nihilistes des prolétaires et des futuristes, durant lesquels la presse chinoise évoquait la catégorie des "herbes vénéneuses"" Comédie divine» Dante, Gargantua et Pantagruel de Rabelais, Jean Christophe de Roland et autres trésors de la littérature et de l'art mondial. Pendant la Révolution culturelle, des œuvres inestimables de l'art classique chinois ont été détruites et la culture chinoise a subi des pertes irréparables.
Bien sûr, tant dans la préservation que dans la transmission de la culture de génération en génération, il doit y avoir une certaine stabilité, il doit y avoir une tradition. Le développement de la culture n'est pas seulement le remplacement de certains de ses états qualitatifs par d'autres, mais aussi l'héritage d'un certain contenu, l'inclusion de ce contenu dans une synthèse supérieure. C'est l'héritage particulier par les générations suivantes de tout ce qui est viable de la culture des générations précédentes qui détermine la progressivité et la progressivité du développement. Sinon, le progrès de la culture serait impossible.
Ce qui a été dit, cependant, ne doit pas être compris dans le sens que le développement de la culture est un simple retour à l'ancien, sa restauration complète, la préservation littérale ou la répétition dans la nouvelle culture des traits de l'ancien. Si c'était vraiment le cas, alors le développement de la culture se transformerait en un piétinement, en une répétition insensée de la même chose, en une série monotone de variations monotones sur le même thème.
La tradition est mémoire, et la mémoire est sélective. La culture se souvient toujours et n'actualise que ce dont la modernité a besoin. Par conséquent, la tradition culturelle est une manière de mobiliser l'expérience du passé, mais pas sous une forme inchangée, mais sous une forme transformée, adaptée à la forme actuelle.
La répétition dans la nouvelle culture de certains traits de l'ancien n'est ni littérale ni absolue : d'une part, tous les traits de l'ancien ne se répètent pas dans la nouvelle, et d'autre part, ceux qui se répètent dans la nouvelle culture se fondent et prennent une tournure regard différent. Quant aux formes de culture véritablement obsolètes, elles disparaissent une fois pour toutes, complètement et irrévocablement.
La culture n'est pas un stockage passif de valeurs matérielles et spirituelles créées par les générations précédentes, mais une utilisation créative active de celles-ci pour le progrès social. Et pas seulement utiliser, mais aussi mettre à jour. La société ne se reproduit et ne s'améliore qu'en héritant et en traitant de manière créative la richesse accumulée de la culture. Et admiration aveugle pour la tradition, son hypertrophie engendre le conservatisme et la stagnation de la culture.
Dans la créativité de la culture, l'universel se confond organiquement avec l'unique. Chaque bien culturel est unique, qu'il soit oeuvre d'art, découverte scientifique, invention technique ou acte comportemental humain.
De cette façon, tradition et créativité- ce sont deux faces inextricablement liées de la culture, les deux faces d'une même médaille. L'unité de la tradition et de l'innovation, leur corrélation mutuelle est une caractéristique universelle de toute culture.
En même temps, la description de la diversité réelle de l'histoire de la société humaine et de sa culture montre que le rapport de la tradition et de la créativité n'est pas une constante donnée une fois pour toutes, il change dans l'espace et dans le temps. Son ratio différent sert de base pour diviser les sociétés en traditionnelles et technogéniques.
La civilisation occidentale, dont les bases ont été posées par les Grecs de l'Antiquité, ainsi que par les Européens du Nouvel Âge, est appelée "technogène" (V.S. Stepin). Ses traits caractéristiques sont: l'intellectualisme, la connaissance sous forme de concepts théoriques, l'application systématique dans la production de connaissances scientifiques, l'évolution rapide de la technologie et de la technologie, le concept d'égalité des personnes, l'égalité des chances, l'éthique et la démocratie développées. Au fur et à mesure que la civilisation technogénique se développe, il y a un renouvellement accéléré de ce qui est créé artificiellement par l'homme. environnement du sujet("seconde nature"). Le philosophe allemand M. Weber estime que les principales valeurs de la culture occidentale sont : 1) le dynamisme, l'orientation vers la nouveauté ; 2) affirmation de la dignité et du respect de la personne humaine ; 3) l'individualisme, installation sur l'autonomie de l'individu ; 4) rationalité ; 5) idéaux de liberté ; 6) tolérance, tolérance pour l'opinion de quelqu'un d'autre, la foi de quelqu'un d'autre ; 7) respect de la propriété privée.
Contrairement à la culture occidentale, la culture orientale est centrée sur la perception émotionnelle et intuitive du monde. La rationalité scientifique de la culture occidentale s'oppose ici à une attitude morale-volontaire envers la contemplation, la sérénité, la fusion intuitive-mystique avec l'être. Le temps dans ces civilisations est perçu comme quelque chose de fini, comme un cercle vicieux, qui inclut à la fois la nature et l'histoire de la société. Dans l'aspect de la vision du monde dans les cultures orientales, il n'y a pas de division du monde en naturel et surnaturel, en monde de la nature et en monde de la société. Par conséquent, ici, le bien le plus élevé n'est pas la conquête de la nature, mais la fusion avec elle.
Ce type de culture crée des civilisations non techniques avec leurs sciences descriptives et leur art impressionniste. Il se concentre principalement sur la reproduction des structures sociales existantes, la stabilisation d'un mode de vie établi et la reproduction de ses stéréotypes stables. Sa valeur la plus élevée est le mode de vie traditionnel, accumulant l'expérience des ancêtres.
Il est clair que ces caractéristiques des cultures occidentales et orientales ne sont que des modèles spéculatifs qui ne peuvent être pleinement assimilés à l'état réel de la culture mondiale. Il y a encore moins de raisons de les transférer littéralement dans monde moderne, à un monde où des nations et des nationalités autrefois disparates habitant tous les continents sont unies en une entité sociale intégrale - l'humanité.
Histoire et études culturelles [Izd. deuxième, révisé et supplémentaire] Shishova Natalya Vasilievna
15.3. Développement culturel
15.3. Développement culturel
La culture a joué un grand rôle dans la préparation spirituelle des changements appelés perestroïka. Les personnalités culturelles avec leur créativité ont préparé la conscience publique au besoin de changement (le film "Repentance" de T. Abuladze, le roman "Children of the Arbat" d'A. Rybakov, etc.). Le pays tout entier vivait dans l'attente de nouveaux numéros de journaux et de magazines, d'émissions de télévision dans lesquelles, comme un vent frais de changement, une nouvelle évaluation était donnée aux personnages historiques, aux processus de la société et à l'histoire elle-même.
Les représentants de la culture étaient activement impliqués dans une véritable activité politique: ils étaient élus députés, chefs de villes et devenaient des chefs de révolutions nationales-bourgeoises dans leurs républiques. Une position publique aussi active a conduit l'intelligentsia à une scission politique.
Après l'effondrement de l'URSS, la scission politique entre les travailleurs de la culture et de l'art s'est poursuivie. Certains étaient guidés par les valeurs occidentales, les déclarant universelles, d'autres adhéraient aux valeurs nationales traditionnelles. Sur cette base, presque tous les liens et groupes créatifs se séparent. La perestroïka a aboli les interdictions sur de nombreux types et genres d'art, renvoyé sur les écrans les films mis sur les tablettes et les œuvres interdites de publication. Le retour de la culture brillante de l'âge d'argent appartient également à la même période.
La culture du tournant des XIXe et XXe siècles nous a révélé tout un «continent poétique» des meilleurs paroliers (I. Annensky, N. Gumilyov, V. Khodasevich, etc.), des penseurs profonds (N. Berdyaev, V. Solovyov, S. Boulgakov, etc.) , des prosateurs sérieux (A. Bely, D. Merezhkovsky, F. Sologub et autres), des compositeurs (N. Stravinsky, S. Rachmaninov et autres), des artistes (K. Somov, A. Benois, P. Filonov, V. Kandinsky et autres), des interprètes talentueux (F. Chaliapine, M. Fokin, A. Pavlova et autres). Un tel flux de littérature "interdite" a eu, en plus d'un moment positif et d'un moment négatif : les jeunes écrivains, poètes, scénaristes ont été privés de la possibilité de publier dans les publications d'État. La crise de l'architecture se poursuit également, associée à une baisse des coûts de construction.
Le développement de la base matérielle de la culture s'est fortement ralenti, ce qui a affecté non seulement l'absence de nouveaux films et livres sur un marché librement formé, mais aussi le fait que, parallèlement aux meilleurs exemples étrangers de la culture, une vague de produits d'origine douteuse qualité et valeur versées dans le pays.
Sans un soutien clair de l'État (ceci est également démontré par l'expérience des pays occidentaux développés), dans les conditions des relations marchandes, la culture a peu de chances de survivre. En elles-mêmes, les relations de marché ne peuvent servir de moyen universel de préservation et d'accroissement du potentiel spirituel et socioculturel de la société.
La crise profonde dans laquelle se trouvent notre société et notre culture est le résultat d'une longue négligence des lois objectives du développement social pendant la période soviétique. La construction d'une nouvelle société, la création d'un homme nouveau dans l'État soviétique s'est avérée impossible, car pendant toutes les années du pouvoir soviétique, les gens ont été séparés de la vraie culture, de la vraie liberté. Une personne était considérée comme une fonction de l'économie, comme un moyen, et cela aussi déshumanise une personne, comme une civilisation technogène. "Le monde traverse le danger de déshumanisation de la vie humaine, de déshumanisation de l'homme lui-même... Seul le renforcement spirituel de l'homme peut résister à un tel danger."
Les chercheurs de divers concepts culturels parlent d'une crise civilisationnelle, d'un changement dans les paradigmes de la culture. Les images de la culture postmoderne, la culture de la fin du millénaire (Fin Millennium) ont maintes fois dépassé la décadence naïve de la culture moderniste de la fin du siècle (Fin de Sitcle). En d'autres termes, l'essence des changements en cours (par rapport au changement de paradigme culturologique) est que ce n'est pas la culture qui est en crise, mais la personne, le créateur, et la crise de la culture n'est qu'une manifestation de son crise. Ainsi, l'attention portée à une personne, au développement de sa spiritualité, de son esprit, c'est surmonter la crise. Les livres d'Ethique Vivante ont attiré l'attention sur la nécessité d'une approche consciente des changements à venir dans l'évolution culturelle et historique de l'homme et ont mis en évidence les problèmes éthiques comme la condition la plus importante pour le développement de l'homme et de la société. Ces pensées ont quelque chose en commun avec la compréhension moderne de la vie humaine et de la société. Ainsi, P. Kostenbaum, spécialiste de l'éducation des cadres dirigeants de l'Amérique, estime qu'"une société bâtie non sur l'éthique, non sur des cœurs et des esprits mûrs, ne vivra pas longtemps". N. Roerich a soutenu que la culture est le culte de la lumière, du feu, la vénération de l'esprit, le service le plus élevé à l'amélioration de l'homme. L'affirmation de la vraie Culture dans l'esprit humain est une condition nécessaire pour surmonter la crise.
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